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El Psy Kongroo.
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May 11, 2026
A sequel that further captivated me in the world of the work.
Perhaps my rating will be a little controversial for some people, mainly because I know many expected more from this second season. Still, to be completely honest, I really enjoyed Goblin Slayer II. Much of this comes from the immense affection I have for the universe of the work, especially since I already knew parts of the original material and the manga, which further expand this world.
One of the things I like most about Goblin Slayer is precisely the concept of the story. Unlike many fantasy anime where the protagonist is "the chosen one,"
...
destined to defeat the demon king and save the world, here we have a much more human and limited character. The Goblin Slayer is not the legendary hero of prophecy. He is just an adventurer obsessed with exterminating goblins, creatures that are usually seen as small and insignificant threats by stronger adventurers.
And that's exactly what makes the work so interesting to me.
While the great heroes are busy facing gigantic threats, wars, and demons, Goblin Slayer fights to protect small villages, ordinary families, and people who would be completely forgotten in this world. The work constantly conveys the feeling that the world keeps turning regardless of whether the protagonist exists or not. There are bigger adventures happening elsewhere, but he chose to focus on the "smaller" problem because he understands the suffering caused by goblins better than anyone.
This idea makes the universe feel extremely alive.
The second season continues to explore this well, in addition to developing the protagonist's companions better. I really enjoyed seeing the interactions between the group, especially because now they seem much closer and more experienced together. The relationship between the characters conveys a genuine sense of camaraderie built after several battles and traumatic situations.
I also really like how Goblin Slayer manages to balance brutality with lighter moments. Despite the dark atmosphere and heavy violence, there are calm and even comfortable scenes involving the characters in their daily lives. These moments greatly help create attachment to the group and make the dangers even more impactful when they arise.
Regarding the animation, I admit it's far from technically impressive. It's not a season known for its absurd fluidity or visually revolutionary scenes. However, honestly, I completely bought into the visual style of the work. The character and creature designs remain very interesting, and the art direction maintains that dark and oppressive tone that perfectly matches the universe.
The setting works very well precisely because Goblin Slayer never tried to look like an extremely colorful epic fantasy. The focus here is on conveying tension, grime, danger, and discomfort. At various moments, the direction manages to create a heavy atmosphere using only lighting, silence, and simple settings.
The soundtrack also greatly contributes to the immersion. It's not extremely memorable individually, but it works very well accompanying the scenes of exploration, combat, and tension. It was enough to make me even more involved in that universe.
I think part of the reason I like this season so much is because I really bought into the work's premise from the beginning. I was really looking forward to a sequel, and when it finally arrived, I was able to thoroughly enjoy what was delivered. Of course, I recognize that the season could have been better in some technical aspects and perhaps even in the pacing of certain arcs, but even so, I had a lot of fun watching it.
In fact, I've already rewatched this season several times and I still really enjoy the experience. This shows how well this universe works for me. There's something very satisfying about following simple strategies, brutal survival, and smaller adventures within such a well-structured fantasy world.
I highly recommend it to fans of dark fantasy, adventure, and medieval RPGs. Although it's not exactly a traditional epic adventure anime, it delivers a very engaging experience for those who enjoy dangerous worlds, brutal combat, and more "down-to-earth" protagonists.
The violence is heavy at various points, but it's also precisely part of the work's identity. Goblin Slayer manages to transform creatures normally seen as weak into truly terrifying threats, and this makes each confrontation tense and fun to watch.
My final score is 9/10. Despite some issues, it was a sequel that completely captivated me once again within the universe of the work.
=================================================================================================================Versão em Português=====================================
Uma continuação que me prendeu ainda mais ao universo da obra.
Talvez minha nota seja um pouco controversa para algumas pessoas, principalmente porque sei que muita gente esperava mais dessa segunda temporada. Ainda assim, sendo completamente sincero, eu gostei bastante de Goblin Slayer II. Muito disso vem do enorme carinho que tenho pelo universo da obra, especialmente por já conhecer partes do material original e do mangá, que expandem ainda mais esse mundo.
Uma das coisas que mais gosto em Goblin Slayer é justamente o conceito da história. Diferente de vários animes de fantasia onde o protagonista é “o escolhido”, destinado a derrotar o rei demônio e salvar o mundo, aqui temos um personagem muito mais humano e limitado. O Goblin Slayer não é o herói lendário da profecia. Ele é apenas um aventureiro obcecado em exterminar goblins, criaturas que normalmente são vistas como ameaças pequenas e insignificantes pelos aventureiros mais fortes.
E é exatamente isso que torna a obra tão interessante para mim.
Enquanto os grandes heróis estão ocupados enfrentando ameaças gigantescas, guerras e demônios, Goblin Slayer luta para proteger vilas pequenas, famílias comuns e pessoas que seriam completamente esquecidas nesse mundo. A obra passa constantemente a sensação de que o mundo continua girando independentemente do protagonista existir ou não. Existem aventuras maiores acontecendo em outros lugares, mas ele escolheu focar no problema “menor”, porque entende o sofrimento causado pelos goblins melhor do que qualquer um.
Essa ideia deixa o universo extremamente vivo.
A segunda temporada continua explorando bem isso, além de trabalhar melhor os companheiros do protagonista. Gostei bastante de ver as interações entre o grupo, especialmente porque agora eles parecem muito mais próximos e experientes juntos. A relação entre os personagens transmite uma sensação genuína de companheirismo construída após várias batalhas e situações traumáticas.
Também gosto muito de como Goblin Slayer consegue equilibrar brutalidade com momentos mais leves. Apesar do clima sombrio e da violência pesada, existem cenas calmas e até confortáveis envolvendo os personagens no cotidiano. Esses momentos ajudam bastante a criar apego pelo grupo e tornam os perigos ainda mais impactantes quando surgem.
Sobre a animação, admito que ela está longe de ser impressionante tecnicamente. Não é uma temporada conhecida por ter uma fluidez absurda ou cenas visualmente revolucionárias. Porém, sinceramente, eu consegui comprar totalmente o estilo visual da obra. Os designs dos personagens e das criaturas continuam muito interessantes, e a direção artística mantém aquele tom escuro e opressivo que combina perfeitamente com o universo.
A ambientação funciona muito bem justamente porque Goblin Slayer nunca tentou parecer uma fantasia épica extremamente colorida. O foco aqui é transmitir tensão, sujeira, perigo e desconforto. Em vários momentos a direção consegue criar uma atmosfera pesada apenas usando iluminação, silêncio e cenários simples.
A trilha sonora também ajuda bastante na imersão. Ela não é extremamente memorável individualmente, mas funciona muito bem acompanhando as cenas de exploração, combate e tensão. Foi o suficiente para me deixar ainda mais envolvido naquele universo.
Acho que parte do motivo de eu gostar tanto dessa temporada é porque eu realmente comprei a proposta da obra desde o início. Eu estava muito ansioso por uma continuação e, quando ela finalmente chegou, consegui aproveitar bastante o que foi entregue. Claro, reconheço que a temporada poderia ter sido melhor em alguns aspectos técnicos e talvez até no ritmo de certos arcos, mas mesmo assim me diverti muito assistindo.
Inclusive, já revi essa temporada várias vezes e continuo gostando bastante da experiência. Isso mostra o quanto esse universo funciona para mim. Existe algo muito satisfatório em acompanhar estratégias simples, sobrevivência brutal e aventuras menores dentro de um mundo de fantasia tão bem estruturado.
Recomendo bastante para fãs de fantasia sombria, aventura e RPG medieval. Apesar de não ser exatamente um anime tradicional de aventura épica, ele entrega uma experiência muito envolvente para quem gosta de mundos perigosos, combates brutais e protagonistas mais “pé no chão”.
A violência é pesada em vários momentos, mas também é justamente parte da identidade da obra. Goblin Slayer consegue transformar criaturas normalmente vistas como fracas em ameaças realmente assustadoras, e isso torna cada confronto tenso e divertido de acompanhar.
Minha nota final é 9/10. Mesmo com alguns problemas, foi uma continuação que me deixou completamente preso ao universo da obra mais uma vez.
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May 11, 2026
A truly heartwarming and captivating special
Tonikaku Kawaii: SNS manages to deliver exactly what fans of the main series are looking for: a warm, fun, and genuinely cute romance. It's the kind of special that leaves your heart light after watching, especially because it follows such a charismatic couple as Nasa and Tsukasa.
From the beginning of the main series, one of the things that caught my attention the most was precisely the dynamic between the two. They aren't just a "cute" couple in appearance or anime exaggerations; there's genuine affection in the way they talk, worry about each other, and show mutual admiration. They seem like
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two people completely in love living small everyday moments together, and that makes everything much more natural and engaging.
In this special, I felt that the romance was even more deepened. While the main series focused heavily on the comedic side and the charm of the newlywed relationship, here we have more intimate moments and a more noticeable romantic development. It's not something exaggerated or out of place in the work, but rather a development that many expected to see happen. There are some more sensual and provocative scenes, but it always maintains that light and comfortable atmosphere characteristic of Tonikaku Kawaii.
What I liked most was precisely how the special manages to convey emotional comfort. Watching Nasa and Tsukasa together is almost therapeutic, it's so pleasant. They are completely obsessed with each other, but in a healthy and adorable way. They talk about everything, share insecurities, joke with each other, and make a point of constantly showing affection. This makes their relationship seem alive and sincere.
The animation remains relatively simple, but still very beautiful and functional for the work's purpose. The settings have a cozy atmosphere, the characters' expressions greatly contribute to the comedy and romantic moments, and the direction knows how to highlight the most emotional scenes without needing to visually exaggerate.
My rating is 8/10 because this special delivers very well on what it promises. Perhaps it doesn't have an extremely grand story or an impressive production, but emotionally it works very well. It's an OVA that warms the heart and further strengthens the affection for the characters.
I highly recommend this to anyone who enjoyed the main series, especially those who wanted to see a deeper exploration of the relationship between Nasa and Tsukasa. If you like light, comforting, and genuinely passionate romances, this special is well worth it.
=================================================================================================================Versão em Português=====================================
Um especial extremamente aconchegante e apaixonante
Tonikaku Kawaii: SNS consegue entregar exatamente aquilo que os fãs da obra principal procuram: um romance caloroso, divertido e genuinamente fofo. É aquele tipo de especial que deixa o coração leve depois de assistir, principalmente por acompanhar um casal tão carismático quanto Nasa e Tsukasa.
Desde o começo da série principal, uma das coisas que mais me chamou atenção foi justamente a dinâmica dos dois. Eles não são apenas um casal “fofo” por aparência ou exageros de anime; existe carinho verdadeiro na forma como conversam, se preocupam um com o outro e demonstram admiração mútua. Eles parecem duas pessoas completamente apaixonadas vivendo pequenos momentos cotidianos juntos, e isso torna tudo muito mais natural e envolvente.
Nesse especial, senti que o romance foi ainda mais aprofundado. Enquanto a série principal trabalhava bastante o lado cômico e o encanto do relacionamento recém-casado, aqui temos momentos mais íntimos e um avanço romântico mais perceptível. Não é algo exagerado ou fora do tom da obra, mas sim um desenvolvimento que muitos esperavam ver acontecendo. Existem cenas mais sensuais e provocativas, porém sempre mantendo aquele clima leve e confortável característico de Tonikaku Kawaii.
O que mais gostei foi justamente como o especial consegue transmitir conforto emocional. Assistir Nasa e Tsukasa juntos é quase terapêutico de tão agradável. Eles são completamente obcecados um pelo outro, mas de uma maneira saudável e adorável. Conversam sobre tudo, compartilham inseguranças, brincam entre si e fazem questão de demonstrar afeto constantemente. Isso faz com que o relacionamento deles pareça vivo e sincero.
A animação continua relativamente simples, mas ainda muito bonita e funcional para a proposta da obra. Os cenários possuem uma atmosfera aconchegante, as expressões dos personagens ajudam bastante na comédia e nos momentos românticos, e a direção sabe valorizar as cenas mais emocionais sem precisar exagerar visualmente.
Minha nota é 8/10 porque esse especial entrega muito bem aquilo que promete. Talvez ele não tenha uma história extremamente grandiosa ou uma produção impressionante, mas emocionalmente funciona muito bem. É um OVA que aquece o coração e fortalece ainda mais o carinho pelos personagens.
Recomendo bastante para quem gostou da série principal, especialmente para aqueles que queriam ver um aprofundamento maior na relação entre Nasa e Tsukasa. Se você gosta de romances leves, confortáveis e sinceramente apaixonados, esse especial vale muito a pena.
Reviewer’s Rating: 8
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May 6, 2026
This film is from the era when My Hero Academia was still good.
My Hero Academia: World Heroes' Mission arrives at a time when My Hero Academia was already well-established, and it dares to play with a bold idea: placing Izuku Midoriya in the role of a fugitive accused of mass murder. Yes, it's a premise that, at first glance, seems absurd, especially considering who Midoriya is. But within the context of shounen films (anyone who's seen something similar in Naruto Shippuden knows), it works better than it seems.
The story revolves around a global threat involving an extremist organization, while Midoriya must prove his innocence while
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trying to prevent a catastrophe. Narratively, the film isn't perfect; it has rushed moments, some plot conveniences, and a development that could be deeper. It's easily rated 7/10 in that regard. But even so, it delivers some very good moments that compensate for these flaws.
The film's greatest emotional highlight is the relationship between Midoriya and Rody Soul. Rody is the kind of character who arrives without much fanfare but quickly wins you over. The dynamic between the two works incredibly well: on one side, Midoriya with his unwavering sense of justice; on the other, Rody with a more cynical and realistic view of the world. This exchange creates genuine moments, whether humorous or dramatic.
Speaking of Rody, he's easily one of the best original characters in the franchise's films. Charismatic, human, and with clear motivations, he doesn't just seem like a "film extra"; he truly matters to the story.
Now, if there's one aspect that truly elevates the film, it's the technical side, especially the action. The final fight is simply absurd. It's the kind of scene that reminds us why this type of anime is so successful: fluid animation, impactful blows, dynamic camera direction, and a constant sense of urgency. It's a visual spectacle.
Studio Bones delivers one of the most polished works in the franchise here. The fight scenes are intense, well-choreographed, and full of energy. Even those not particularly invested in the story will find themselves captivated by the action.
The villain, on the other hand, despite having interesting and even dangerous abilities, lacks a bit of charisma and depth. He functions more as a plot device than a memorable character.
Still, the film hits the mark in what many people are looking for: high-level entertainment. It's practically a "superhero movie" in the style of American comics, but with the exaggerated and energetic touch of anime.
Overall, World Heroes' Mission may not be the most profound in the franchise, but it delivers emotion, captivating characters, and one of the best action sequences in My Hero Academia. Izuku's final fight against the villain is breathtaking.
If you enjoy good fights and that atmosphere of heroes saving the world in style, this film is a real treat.
Final score: 9/10
=================================================================================================================Versão em Português=====================================
Este filme é da epoca em que Boku no Hero ainda era bom.
My Hero Academia: World Heroes' Mission chega em um momento em que My Hero Academia já estava bem estabelecido, e resolve brincar com uma ideia ousada: colocar Izuku Midoriya no papel de fugitivo acusado de assassinato em massa. Sim, é uma premissa que, à primeira vista, parece até absurda, especialmente considerando quem é o Midoriya. Mas dentro do contexto de filmes shounen (quem já viu algo parecido em Naruto Shippuden sabe), funciona melhor do que parece.
A história gira em torno de uma ameaça global envolvendo uma organização extremista, enquanto Midoriya precisa provar sua inocência ao mesmo tempo em que tenta impedir uma catástrofe. Narrativamente, o filme não é perfeito, tem momentos corridos, algumas conveniências de roteiro e um desenvolvimento que poderia ser mais profundo. Dá pra colocar tranquilamente como um 7/10 nesse quesito. Mas mesmo assim, ele entrega momentos muito bons que compensam essas falhas.
O grande destaque emocional do filme é a relação entre Midoriya e Rody Soul. Rody é aquele tipo de personagem que chega sem muito alarde, mas rapidamente conquista. A dinâmica entre os dois funciona demais: de um lado, Midoriya com seu senso de justiça inabalável; do outro, Rody com uma visão mais cínica e realista do mundo. Essa troca cria momentos genuínos, seja no humor ou no drama.
E falando em Rody, ele é facilmente um dos melhores personagens originais dos filmes da franquia. Carismático, humano e com motivações claras, ele não parece só um “figurante de longa-metragem”, ele realmente importa pra história.
Agora, se tem um ponto que eleva o filme de verdade, é a parte técnica, principalmente a ação. A luta final é simplesmente absurda. É o tipo de cena que lembra por que esse tipo de anime faz tanto sucesso: animação fluida, impacto nos golpes, direção de câmera dinâmica e uma sensação constante de urgência. É um espetáculo visual.
O estúdio Bones entrega aqui um dos trabalhos mais polidos da franquia. As cenas de combate são intensas, bem coreografadas e cheias de energia. Mesmo quem não estiver tão envolvido com a história vai se pegar preso pela ação.
O vilão, por outro lado, apesar de ter habilidades interessantes e até perigosas, falta um pouco de carisma e profundidade. Ele funciona mais como uma ferramenta para a trama do que como um personagem memorável.
Ainda assim, o filme acerta no que muita gente procura: entretenimento de alto nível. É praticamente um “filme de super-herói” no estilo HQ americana, só que com o toque exagerado e energético dos animes.
No geral, World Heroes' Mission pode não ser o mais profundo da franquia, mas entrega emoção, personagens cativantes e uma das melhores sequências de ação de Boku no Hero. A luta final do Izuku contra o vilão é de tirar o folego.
Se você curte boas lutas e aquele clima de heróis salvando o mundo com estilo, esse filme é um prato cheio.
Nota final: 9/10
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May 6, 2026
The ultimate romantic declaration.
The third season of Kaguya-sama: Love Is War not only continues the story but elevates everything to the maximum: emotion, comedy, and, above all, the romance that has been building since the beginning.
The premise remains the same: the psychological "war" between Kaguya Shinomiya and Miyuki Shirogane to make the other confess first. But here, this dynamic ceases to be just a game of pride and begins to show its real emotional consequences. What was once almost a strategic game transforms into something much deeper.
And that's precisely what makes this season so special. You feel the weight of what is being built. It's
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not just "who will confess first," but why it's so difficult for them. Pride, fear of rejection, insecurities—everything comes to the surface in a very well-developed way.
Watching Ultra Romantic is almost a physical experience: it gives you that butterflies-in-your-stomach feeling, that good anxiety, as if you were living it alongside the characters. The development is extremely rewarding because the series respects the pacing of the story. Nothing happens haphazardly; each important moment feels deserved.
And when the climax finally arrives… it's exactly what the title promises: something grand. Without giving away spoilers, it's the kind of conclusion that rewards those who have followed the entire journey. Pride and ego, which have always been barriers, finally give way to something more sincere.
But it's not just romance. The season continues to perfectly balance comedy and drama. The absurd situations, the mental excesses, and the completely chaotic moments are still present, often stolen by characters like Chika Fujiwara, who keeps the series' humor alive.
At the same time, the more serious moments gain even more strength. Characters are deepened, internal conflicts are explored, and the work shows that it can go beyond traditional romantic comedy.
The soundtrack also deserves special mention. It knows exactly when to kick in, whether to intensify the drama or further elevate the romantic moments. There are scenes that would be good even without the music… but with it, they become memorable.
Visually, the animation remains very consistent, with creative direction and full of personality. The visual exaggerations and metaphors continue to be used intelligently to represent the characters' internal conflicts.
In the end, this season is practically the peak of the work. It's the kind of anime you want to watch with company because several scenes simply leave you smiling like a fool.
If you've followed along this far, this season not only delivers, it surpasses expectations.
Final score: 9/10
=================================================================================================================Versão em Português=====================================
A definição de ápice em declaração romântica.
A terceira temporada de Kaguya-sama: Love Is War não só continua a história como eleva tudo ao máximo: emoção, comédia e, principalmente, o romance que vinha sendo construído desde o início.
A premissa continua a mesma: a “guerra” psicológica entre Kaguya Shinomiya e Miyuki Shirogane para fazer o outro confessar primeiro. Mas aqui, essa dinâmica deixa de ser só um jogo de orgulho e começa a mostrar suas consequências emocionais de verdade. O que antes era quase uma brincadeira estratégica vai se transformando em algo muito mais profundo.
E é justamente isso que torna essa temporada tão especial. Você sente o peso do que está sendo construído. Não é só “quem vai se declarar primeiro”, mas por que isso é tão difícil para eles. O orgulho, o medo de rejeição, as inseguranças, tudo vem à tona de forma muito bem trabalhada.
Assistir Ultra Romantic é quase uma experiência física: dá aquele frio na barriga, aquela ansiedade boa, como se você estivesse vivendo junto com os personagens. O desenvolvimento é extremamente gratificante porque a série respeita o tempo da construção. Nada acontece de forma jogada, cada momento importante parece merecido.
E quando finalmente chega o clímax… é exatamente o que o título promete: algo grandioso. Sem entrar em spoilers, é o tipo de conclusão que recompensa quem acompanhou toda a jornada. O orgulho e o ego, que sempre foram barreiras, finalmente cedem espaço para algo mais sincero.
Mas não é só romance. A temporada continua equilibrando perfeitamente comédia e drama. As situações absurdas, os exageros mentais e os momentos completamente caóticos continuam presentes, muitas vezes roubados por personagens como Chika Fujiwara, que mantém o humor da série sempre vivo.
Ao mesmo tempo, os momentos mais sérios ganham ainda mais força. Personagens são aprofundados, conflitos internos são explorados, e a obra mostra que consegue ir além da comédia romântica tradicional.
A trilha sonora também merece destaque. Ela sabe exatamente quando entrar, seja para intensificar o drama ou elevar ainda mais os momentos românticos. Há cenas que, sem a música, já seriam boas… mas com ela se tornam memoráveis.
Visualmente, a animação continua muito consistente, com direção criativa e cheia de personalidade. Os exageros visuais e metáforas continuam sendo usados de forma inteligente para representar os conflitos internos dos personagens.
No fim, essa temporada é praticamente o auge da obra. É aquele tipo de anime que dá vontade de assistir acompanhado porque várias cenas simplesmente te deixam sorrindo igual bobo.
Se você acompanhou até aqui, essa temporada não só entrega, ela supera expectativas.
Nota final: 9/10
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May 6, 2026
What a fantastic continuation of the "begging" little wolf!
The second season of Beastars Season 2 not only maintains the level of the first but also deepens everything that made the work stand out. Here, the story ceases to be just an introduction to the world and fully immerses itself in its consequences, especially the mystery surrounding Tem.
From the beginning, this crime hung like a shadow over the narrative, and finally we have the development and resolution of this plot. The way the suspense is conducted is very efficient; it's not just about discovering "who did it," but understanding why it happened. And when the answer
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comes, it carries enormous emotional and symbolic weight, reinforcing the central themes of the series.
The focus remains on Legoshi, and it is here that he truly grows as a character. The doubts that already existed in the first season become even more intense: his struggle against his own instincts, his sense of justice, and his difficulty in understanding his place in the world. He is not a protagonist who "solves everything"; on the contrary, he constantly questions everything around him, which makes it easy to identify with him. This feeling of not fully understanding the world is very well developed.
At the same time, his relationship with Louis gains even more depth. The contrast between the two, an insecure predator and a proud herbivore, is one of the strongest points of the work. In this season, their paths diverge at certain moments, but the bond between them only becomes more interesting and complex.
Another important highlight is how the anime expands the "darker" side of this universe. We are introduced to environments and situations that show that this seemingly organized society hides much beneath the surface. This adds constant tension to the narrative and reinforces the social criticism present in the work.
Visually, the quality remains extremely high. The 3D animation from Studio Orange continues to impress, fluid, expressive, and very well directed. The confrontation scenes, especially, have a physical and emotional weight that helps to convey each moment. It's the kind of production that shows how 3D can be used artistically and not just functionally.
The soundtrack and atmosphere remain excellent, contributing to that somewhat uncomfortable, somewhat introspective mood that is a trademark of Beastars. Everything always seems on the verge of exploding, and often it does.
Overall, this second season is a continuation that fulfills its role very well: it resolves a major mystery, deepens characters, and expands the universe without losing its essence. Perhaps it's even denser and less "impactful at first" than the previous one, but in return it delivers more emotional and narrative content.
If you liked the first season, this one is a must-see. And if you're still undecided about Beastars, this continuation only reinforces how unique the work is within anime.
Final score: 9/10
=================================================================================================================Versão em Português=====================================
Que continuação foda do lobinho “pidão”.
A segunda temporada de Beastars Season 2 não só mantém o nível da primeira como aprofunda tudo que fez a obra se destacar. Aqui, a história deixa de ser apenas uma introdução ao mundo e mergulha de vez em suas consequências, principalmente no mistério envolvendo Tem.
Desde o início, esse crime pairava como uma sombra sobre a narrativa, e finalmente temos o desenvolvimento e o desfecho dessa trama. A forma como o suspense é conduzido é muito eficiente, não é só sobre descobrir “quem fez”, mas entender por que aquilo aconteceu. E quando a resposta vem, ela carrega um peso emocional e simbólico enorme, reforçando as temáticas centrais da série.
O foco continua em Legoshi, e é aqui que ele realmente cresce como personagem. As dúvidas que já existiam na primeira temporada se tornam ainda mais intensas: sua luta contra os próprios instintos, seu senso de justiça e sua dificuldade em entender seu lugar no mundo. Ele não é um protagonista que “resolve tudo”, pelo contrário, ele constantemente questiona tudo ao seu redor, o que torna fácil se identificar com ele. Essa sensação de não entender completamente o mundo é muito bem trabalhada.
Ao mesmo tempo, a relação dele com Louis ganha ainda mais profundidade. O contraste entre os dois, um predador inseguro e um herbívoro cheio de orgulho, é um dos pontos mais fortes da obra. Nessa temporada, os caminhos deles se distanciam em certos momentos, mas o vínculo entre os dois só se torna mais interessante e complexo.
Outro destaque importante é como o anime expande o lado mais “sombrio” desse universo. Somos apresentados a ambientes e situações que mostram que aquela sociedade aparentemente organizada esconde muita coisa por baixo da superfície. Isso adiciona tensão constante à narrativa e reforça a crítica social presente na obra.
Visualmente, a qualidade continua altíssima. A animação em 3D do estúdio Orange segue impressionando, fluida, expressiva e muito bem dirigida. As cenas de confronto, especialmente, têm um peso físico e emocional que ajudam a vender cada momento. É o tipo de produção que mostra como o 3D pode ser usado de forma artística e não só funcional.
A trilha sonora e a ambientação também continuam excelentes, contribuindo para aquele clima meio desconfortável, meio introspectivo, que é marca registrada de Beastars. Tudo parece sempre à beira de explodir, e muitas vezes explode mesmo.
No geral, essa segunda temporada é uma continuação que cumpre muito bem seu papel: resolve um grande mistério, aprofunda personagens e expande o universo sem perder a essência. Talvez ela seja até mais densa e menos “impactante de primeira” do que a anterior, mas em compensação entrega mais conteúdo emocional e narrativo.
Se você gostou da primeira temporada, essa aqui é obrigatória. E se ainda está em dúvida sobre Beastars, essa continuação só reforça o quanto a obra é única dentro dos animes.
Nota final: 9/10
Reviewer’s Rating: 9
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May 6, 2026
A different kind of isekai… finally.
After so many titles repeating the same formula, Mushoku Tensei: Isekai Ittara Honki Dasu emerges as a work that takes the saturated base of the genre and truly tries to do something more. Yes, the premise is familiar: the protagonist dies in our world and reincarnates in a fantasy universe with magic. So far, nothing new. The difference lies in how this story is told.
Here we follow Rudeus Greyrat's entire life from birth, something rare in the genre. The narrative doesn't jump straight to the "overpowered hero saving the world"; it builds, step by step, the character's growth. And this
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growth is neither pretty nor comfortable to watch.
Rudeus is, without mincing words, a difficult protagonist to swallow. He carries extremely problematic traits, many deplorable attitudes, and moments that truly cause discomfort. And this is not an accident; it's part of the work's purpose. Instead of romanticizing the character, the anime exposes his flaws in a raw way. But the key point lies in the evolution: little by little, we see changes in behavior, in the way of thinking, and in how he perceives the world and the people around him.
This journey of development is the great differentiator. Mushoku Tensei isn't about being a perfect hero, but about someone who seeks to adventure in this world, even starting from a very low point. This brings a level of emotional realism that many isekai simply ignore.
Another huge highlight is the world-building. The universe is rich, alive, and full of detail. It doesn't just seem like a generic RPG setting; there are cultures, languages, conflicts, and well-established rules. All of this helps to make the immersion much stronger.
And then there's the technical aspect: the animation is absurd. Produced by Studio Bind, the anime delivers a level of visual quality that easily places the work among the best animated in the genre. The magic scenes, in particular, completely break away from the generic standard. It's not just "colorful lightning everywhere"; there's weight, impact, fluidity, and creativity in each spell.
The direction also deserves applause. Small details, such as expressions, silence during important moments, and the way time passes, help tell the story in a much more natural and engaging way.
Another interesting point is how the work mixes fantasy with very human aspects. Relationships, regrets, desires, traumas—all of this is treated with a certain care, even when the protagonist clearly makes mistakes. This keeps the viewer, even if uncomfortable, interested in the journey.
But let's be direct: it's not a work for everyone. Precisely because of the protagonist's actions, many people may not be able to continue, and that's totally understandable. Still, it's undeniable that the anime has a clear premise and executes it with great competence.
In the end, Mushoku Tensei takes a basic idea and transforms it into something engaging, technical, and, at various moments, even provocative.
If you like isekai and want to see something that truly tries to evolve the genre, this is one of the best possible choices.
Final score: 9/10
=================================================================================================================Versão em Português=====================================
Um isekai diferente… finalmente.
Depois de tantos títulos repetindo a mesma fórmula, Mushoku Tensei: Isekai Ittara Honki Dasu surge como uma obra que pega a base saturada do gênero e realmente tenta fazer algo além. Sim, a premissa é familiar: o protagonista morre no nosso mundo e reencarna em um universo de fantasia com magia. Até aí, nada de novo. A diferença está em como essa história é contada.
Aqui acompanhamos a vida inteira de Rudeus Greyrat desde o nascimento, algo raro no gênero. A narrativa não pula direto para o “herói overpower salvando o mundo”; ela constrói, passo a passo, o crescimento do personagem. E esse crescimento não é bonito nem confortável de assistir.
Rudeus é, sem rodeios, um protagonista difícil de engolir. Ele carrega traços extremamente problemáticos, muitas atitudes deploráveis e momentos que realmente causam desconforto. E isso não é um acidente, faz parte da proposta da obra. Ao invés de romantizar o personagem, o anime expõe suas falhas de forma crua. Mas o ponto chave está na evolução: aos poucos, vemos mudanças no comportamento, na forma de pensar e na maneira como ele enxerga o mundo e as pessoas ao seu redor.
Essa jornada de desenvolvimento é o grande diferencial. Mushoku Tensei não é sobre ser um herói perfeito, mas sobre alguem que busca se aventurar nesse mundo, mesmo começando de um ponto bem baixo. Isso traz um nível de realismo emocional que muitos isekais simplesmente ignoram.
Outro destaque enorme é o mundo construído. O universo é rico, vivo e cheio de detalhes. Não parece só um cenário genérico de RPG, há culturas, línguas, conflitos e regras bem estabelecidas. Tudo isso ajuda a tornar a imersão muito mais forte.
E aí entra a parte técnica: a animação é absurda. Produzido pelo estúdio Studio Bind, o anime entrega um nível de qualidade visual que facilmente coloca a obra entre as mais bem animadas do gênero. As cenas de magia, em especial, fogem completamente do padrão genérico. Não é só “raio colorido pra todo lado” existe peso, impacto, fluidez e criatividade em cada feitiço.
A direção também merece aplausos. Pequenos detalhes, como expressões, silêncio em momentos importantes e a forma como o tempo passa ajudam a contar a história de maneira muito mais natural e envolvente.
Outro ponto interessante é como a obra mistura fantasia com aspectos bem humanos. Relações, arrependimentos, desejos, traumas, tudo isso é tratado com um certo cuidado, mesmo quando o protagonista claramente erra. Isso faz com que o espectador, mesmo incomodado, continue interessado na jornada.
Mas vale ser direto: não é uma obra para todo mundo. Justamente por causa das atitudes do protagonista, muita gente pode não conseguir continuar, e isso é totalmente compreensível. Ainda assim, é inegável que o anime tem uma proposta clara e executa essa proposta com muita competência.
No fim das contas, Mushoku Tensei pega uma ideia básica e transforma em algo envolvente, técnico e, em vários momentos, até provocativo.
Se você gosta de isekai e quer ver algo que realmente tenta evoluir o gênero, essa é uma das melhores escolhas possíveis.
Nota final: 9/10
Reviewer’s Rating: 9
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May 6, 2026
WHAT??? A furry anime? Yuck.
That was exactly my reaction before starting Beastars, and maybe many people thought the same. But few works manage to break a first impression as completely as this one. What seems like just an "anime of anthropomorphic animals" quickly reveals itself to be a dense, mature narrative full of layers.
The premise, in itself, is already attention-grabbing: a world without humans, where animals have evolved and formed a complex society. But the central point isn't just this curious concept; it's the conflict between predators and prey. The series uses this division as a clear metaphor for real social issues, such as prejudice,
...
inequality, and coexistence between groups with different natures.
The story follows Legoshi, an introspective and gentle wolf who lives in constant conflict with his own instincts. He's not the typical protagonist: he's insecure, emotionally confused, and, precisely for that reason, extremely human (even though he's a wolf). Alongside him, we have Haru, a rabbit who completely breaks the stereotype of fragility, and Louis, a proud and complex deer who well represents the social pressures of that world.
What's most impressive about Beastars is how it transforms something seemingly simple into a profound psychological and philosophical study. The tension between desire and morality, instinct and reason, strength and vulnerability—all of this is explored in a very direct way. It's not just about "animals coexisting," it's about identity, repression, power, and even sexuality.
Visually, the anime is also very surprising. Produced by Studio Orange, it uses 3D animation in a way that completely breaks away from the standard that many people turn their noses up at. The movements are fluid, expressive, and full of personality. And the stop-motion opening is simply a spectacle in itself—creative, unique, and memorable.
The soundtrack and direction also help create an intense, sometimes uncomfortable, but always engaging atmosphere. There are moments of almost palpable tension, especially in the interactions between predators and prey, where any situation can escalate into something much more serious.
Another strong point is how the anime defies expectations. It seems like one thing, almost light, perhaps even childish at first glance, but delivers something completely different: an adult narrative, full of nuances and without easy answers.
In the end, Beastars is the kind of work you start judging… and end up strongly recommending. It's not just a surprise, it's a complete breaking of preconceptions.
If you like stories that explore moral dilemmas, internal conflicts, and social criticism disguised as fiction, this is a great recommendation.
Final score: 9/10 - Signed: Beggar Wolf
=================================================================================================================Versão em Português=====================================
O QUÊ??? Anime de furry? Eca.
Essa foi exatamente a minha reação antes de começar Beastars, e talvez muita gente tenha pensado o mesmo. Mas poucas obras conseguem quebrar uma primeira impressão de forma tão completa quanto essa aqui. O que parece só um “anime de animais antropomórficos” rapidamente se revela uma narrativa densa, madura e cheia de camadas.
A premissa, por si só, já chama atenção: um mundo sem humanos, onde animais evoluíram e formaram uma sociedade complexa. Mas o ponto central não é só esse conceito curioso, é o conflito entre predadores e presas. A série usa essa divisão como uma metáfora clara para questões sociais reais, como preconceito, desigualdade e convivência entre grupos com naturezas diferentes.
A história acompanha Legoshi, um lobo introspectivo e gentil que vive em constante conflito com seus próprios instintos. Ele não é o típico protagonista: é inseguro, emocionalmente confuso e, justamente por isso, extremamente humano (mesmo sendo um lobo). Ao lado dele, temos Haru, uma coelha que quebra completamente o estereótipo de fragilidade, e Louis, um cervo orgulhoso e complexo que representa bem as pressões sociais daquele mundo.
O que mais impressiona em Beastars é como ele transforma algo aparentemente simples em um estudo psicológico e filosófico profundo. A tensão entre desejo e moralidade, instinto e razão, força e vulnerabilidade, tudo isso é explorado de maneira muito direta. Não é só sobre “animais convivendo”, é sobre identidade, repressão, poder e até sexualidade.
Visualmente, o anime também surpreende muito. Produzido pelo estúdio Orange, ele utiliza animação 3D de uma forma que foge completamente do padrão que muita gente torce o nariz. Os movimentos são fluidos, expressivos e carregados de personalidade. E a abertura em stop motion é simplesmente um espetáculo à parte, criativa, única e memorável.
A trilha sonora e a direção também ajudam a criar uma atmosfera intensa, às vezes desconfortável, mas sempre envolvente. Há momentos de tensão quase palpável, especialmente nas interações entre predadores e presas, onde qualquer situação pode escalar para algo muito mais sério.
Outro ponto forte é a forma como o anime desafia expectativas. Ele parece uma coisa, quase leve, talvez até infantil à primeira vista, mas entrega algo completamente diferente: uma narrativa adulta, cheia de nuances e sem respostas fáceis.
No fim das contas, Beastars é aquele tipo de obra que você começa julgando… e termina recomendando com força. Não é só uma surpresa, é uma quebra total de preconceito.
Se você gosta de histórias que exploram dilemas morais, conflitos internos e críticas sociais disfarçadas de ficção, essa aqui é uma ótima recomendação.
Nota final: 9/10 - Ass. Lobo Pidão
Reviewer’s Rating: 9
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May 6, 2026
GIORNO GIOVANNA 🎵
Part 5 of JoJo, JoJo's Bizarre Adventure: Golden Wind, is simply one of the most daring and stylish phases of the series. Here, the series not only expands the concept of Stands but takes this idea to an almost absurd level (in the best possible way), where creativity and strategy are worth more than brute force.
Unlike previous parts, the story deviates considerably from the traditional dynamics of the Joestar family we already knew, such as Jotaro Kujo and Joseph Joestar. Instead, we delve into the journey of Giorno Giovanna, a protagonist with a very specific ambition: to rise in the hierarchy of the
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Italian mafia to stop drug trafficking, especially among children. And this objective already gives a more serious and even morally complex tone to the narrative.
The fact that Giorno is the son of Dio Brando (in Jonathan Joestar's body) adds an interesting layer to the character's construction. He carries traits of both villainy and nobility, creating a cold, strategic protagonist, yet still guided by a sense of justice.
The Stands here are a show in themselves. The creativity reaches another level; powers that, at first glance, seem simple or even useless, end up proving absurdly lethal depending on the situation. It's that kind of JoJo logic where you'd easily accept a Stand that only works on rainy Mondays… and still be invincible.
But the heart of Part 5 lies in the cast. The team led by Bruno Bucciarati is simply fantastic. Bucciarati, in fact, is one of the most charismatic characters in the franchise, on the same level of idolatry that Robert E. O. Speedwagon receives from fans. Each member of the group has a striking personality, clear motivations, and memorable moments, making the journey engaging from beginning to end.
The soundtrack deserves absolute praise. Giorno's theme has practically become an anthem within anime culture, instantly recognizable and used even outside the context of the work. It's the kind of music that gives you goosebumps and makes you feel like something epic is about to happen.
And of course, there's no shortage of bizarre and comical moments that define JoJo. Scenes like Leone Abbacchio calmly drinking coffee and then, out of nowhere, resorting to violence without warning are the kind of unexpected humor that only this series delivers.
Another highlight is the introduction of Requiem, an evolution of Stands that further expands the possibilities of the power system, making everything more unpredictable and, honestly, more insane.
Visually, the animation is incredible. The exaggerated style, the dramatic poses, and the creative direction make each episode seem unique. It's a work that fully embraces its own strangeness and shines because of it.
And as if all that wasn't enough, we also have the return of Jean Pierre Polnareff, which is pure, well-done fanservice that's meaningful to the story.
In the end, Golden Wind is JoJo at its creative peak: stylish, intelligent, absurd, and full of personality.
Rating: 9/10
=================================================================================================================Versão em Português=====================================
GIORNO GIOVANNA 🎵
A Parte 5 de JoJo, JoJo's Bizarre Adventure: Golden Wind é simplesmente uma das fases mais ousadas e estilosas da obra. Aqui, a série não só expande o conceito de Stands como leva essa ideia a um nível quase absurdo (no melhor sentido possível), onde criatividade e estratégia valem mais do que força bruta.
Diferente das partes anteriores, a história se afasta bastante da tradicional dinâmica dos Joestar que já conhecíamos, como Jotaro Kujo e Joseph Joestar. Em vez disso, mergulhamos na jornada de Giorno Giovanna, um protagonista com uma ambição bem específica: subir na hierarquia da máfia italiana para impedir o tráfico de drogas, especialmente entre crianças. E esse objetivo já dá um tom mais sério e até moralmente complexo para a narrativa.
O fato de Giorno ser filho de Dio Brando (no corpo de Jonathan Joestar) adiciona uma camada interessante à construção do personagem. Ele carrega traços tanto de vilania quanto de nobreza, criando um protagonista frio, estratégico, mas ainda guiado por um senso de justiça.
Os Stands aqui são um show à parte. A criatividade atinge outro nível, poderes que, à primeira vista, parecem simples ou até inúteis, acabam se revelando absurdamente letais dependendo da situação. É aquele tipo de lógica JoJo onde você facilmente aceitaria um Stand que só funciona às segundas-feiras com chuva… e ainda assim seria invencível.
Mas o coração da parte 5 está no elenco. A equipe liderada por Bruno Bucciarati é simplesmente fantástica. Bucciarati, aliás, é um dos personagens mais carismáticos da franquia, no mesmo nível de idolatria que Robert E. O. Speedwagon recebe dos fãs. Cada membro do grupo tem personalidade marcante, motivações claras e momentos memoráveis, o que faz a jornada ser envolvente do começo ao fim.
A trilha sonora merece destaque absoluto. O tema do Giorno virou praticamente um hino dentro da cultura dos animes, reconhecível instantaneamente e usado até fora do contexto da obra. É aquele tipo de música que arrepia e te faz sentir que algo épico está prestes a acontecer.
E claro, não faltam os momentos bizarros e cômicos que definem JoJo. Cenas como Leone Abbacchio tomando café tranquilamente e, do nada, partindo pra violência sem aviso são o tipo de humor inesperado que só essa série entrega.
Outro ponto alto é a introdução dos Requiem, uma evolução dos Stands que amplia ainda mais as possibilidades do sistema de poder, deixando tudo mais imprevisível e, honestamente, mais insano.
Visualmente, a animação está incrível. O estilo exagerado, as poses dramáticas e a direção criativa fazem cada episódio parecer único. É uma obra que abraça completamente sua própria estranheza e brilha por causa disso.
E como se não bastasse tudo isso, ainda temos o retorno de Jean Pierre Polnareff, o que é puro fanservice bem feito e significativo para a história.
No fim das contas, Golden Wind é JoJo no seu auge criativo: estiloso, inteligente, absurdo e cheio de personalidade.
Nota: 9/10
Reviewer’s Rating: 9
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May 5, 2026
"The animation that changed anime" might sound like an exaggeration, but in the case of Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba, it's easy to understand where that feeling comes from.
The work takes a relatively simple premise and transforms it into something extremely impactful thanks to its execution. Set in Taishō-era Japan, the story presents a world where demons (called Oni) lurk in the shadows and feed on humans. To combat them, there is a dedicated organization: the Demon Slayer Corps. It is within this scenario that we follow Tanjiro Kamado, a protagonist driven by tragedy, but also by a rare empathy.
After having his family brutally massacred
...
and seeing his sister, Nezuko Kamado, transformed into a demon, Tanjiro begins a journey that mixes revenge, hope, and redemption. The story's structure is straightforward, without major complications, but this has never been a problem; on the contrary. The clarity of the narrative makes everything more accessible, allowing anyone, even without anime experience, to quickly become involved. Much of this is due to the characters' charisma. Tanjiro is an easy protagonist to like, not because he's the strongest, but because of his humanity. Alongside him, figures like Zenitsu Agatsuma and Inosuke Hashibira bring a balance between comedy, intensity, and emotion. This combination creates a dynamic that works very well and helped transform the work into a global phenomenon, something visible in the absurd number of fans, cosplays, and dedicated communities around the world.
But let's get to the point that truly put Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba on another level: the animation.
Ufotable's work is simply spectacular. It's not just "beautiful," it's carefully directed, with an impressive combination of 2D and 3D effects, dynamic lighting, and extremely fluid fight choreography. Each confrontation feels like a visual spectacle, with a highlight being the use of breathing styles, which transform blows into true works of art in motion.
Many people compare the technical level of the work to the Fate/stay night: Unlimited Blade Works or Fate/Zero franchises, also from Ufotable, but here the studio has achieved something even more popular and accessible. It's the kind of anime that impresses even those who have never watched anything in the genre.
Of course, the work doesn't reinvent shonen. Many elements are familiar: a journey of growth, progressively stronger villains, bonds of friendship and overcoming challenges. But the difference lies in how all this is presented. The direction, the pacing, and the visual care elevate a simple story to something memorable.
In the end, Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba is exactly what you see: a fun, charismatic, visually impeccable, and extremely easy-to-follow shonen. And perhaps that's why it has become one of the biggest gateways for new anime fans in recent years.
Whether for the story, the characters, or the visual spectacle, it's a work that is well worth watching.
Highly recommended.
Final score: 9/10.
=================================================================================================================Versão em Português=====================================
“A animação que mudou os animes” pode soar como exagero mas, no caso de Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba, dá pra entender perfeitamente de onde vem essa sensação.
A obra pega uma premissa relativamente simples e transforma em algo extremamente impactante graças à sua execução. Ambientada no Japão da era Taishō, a história apresenta um mundo onde demônios (os chamados Oni) se escondem nas sombras e se alimentam de humanos. Para combatê-los, existe uma organização dedicada: o Corpo de Caçadores de Demônios. É dentro desse cenário que acompanhamos Tanjiro Kamado, um protagonista movido por tragédia, mas também por uma empatia rara.
Após ter sua família brutalmente massacrada e ver sua irmã, Nezuko Kamado, transformada em um demônio, Tanjiro inicia uma jornada que mistura vingança, esperança e redenção. A estrutura da história é direta, sem grandes complicações, mas isso nunca foi um problema, pelo contrário. A clareza da narrativa torna tudo mais acessível, permitindo que qualquer pessoa, mesmo sem experiência com anime, consiga se envolver rapidamente.
E muito disso se deve ao carisma dos personagens. Tanjiro é um protagonista fácil de gostar, não por ser o mais forte, mas por sua humanidade. Ao seu lado, figuras como Zenitsu Agatsuma e Inosuke Hashibira trazem equilíbrio entre comédia, intensidade e emoção. Esse conjunto cria uma dinâmica que funciona muito bem e que ajudou a transformar a obra em um fenômeno global, algo visível na quantidade absurda de fãs, cosplays e comunidades dedicadas ao redor do mundo.
Mas vamos ao ponto que realmente colocou Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba em outro patamar: a animação.
O trabalho da Ufotable é simplesmente espetacular. Não é só “bonito”, é cuidadosamente dirigido, com uma combinação impressionante de efeitos 2D e 3D, iluminação dinâmica e coreografias de luta extremamente fluidas. Cada confronto parece um espetáculo visual, com destaque para o uso dos estilos de respiração, que transformam golpes em verdadeiras obras de arte em movimento.
Muita gente compara o nível técnico da obra com a franquia Fate/stay night: Unlimited Blade Works ou Fate/Zero, também da Ufotable, mas aqui o estúdio conseguiu algo ainda mais popular e acessível. É aquele tipo de anime que impressiona até quem nunca assistiu nada do gênero.
Claro, a obra não reinventa o shonen. Muitos elementos são familiares: jornada de crescimento, vilões progressivamente mais fortes, laços de amizade e superação. Mas o diferencial está em como tudo isso é apresentado. A direção, o ritmo e o cuidado visual elevam uma história simples a algo memorável.
No fim das contas, Demon Slayer: Kimetsu no Yaiba é exatamente o que se vê: um shonen divertido, carismático, visualmente impecável e extremamente fácil de acompanhar. E talvez por isso mesmo tenha se tornado uma das maiores portas de entrada para novos fãs de anime nos últimos anos.
Seja pela história, pelos personagens ou pelo espetáculo visual, é uma obra que vale muito a pena.
Recomendo muito.
Nota final: 9/10.
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May 5, 2026
A modern recreation that not only respects the original work but also manages to give it an even more striking emotional weight.
Dororo is based on Osamu Tezuka's classic, originally adapted in 1969. Even though it's an old story, this version manages to sound extremely current, both in the way it conducts the narrative and in the depth of the themes it addresses. And, for many, this adaptation ends up being the true gateway to this universe.
The premise starts off heavy: Hyakkimaru is born without essential body parts, sacrificed by his own father, Daigo Kagemitsu, in exchange for power and prosperity for his land. Surviving against
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all odds, Hyakkimaru embarks on a journey to recover what was taken from him, facing demons that carry fragments of his body.
It's a simple story in structure, but extremely powerful in its execution. Each confrontation is not just a battle, it's a step in the reconstruction of the protagonist's identity. And the more human he becomes physically, the more complex his internal conflicts become.
One of the most interesting aspects of this adaptation is how it condenses the original work without losing its impact. Instead of unnecessarily lengthening the story, Dororo opts for a more direct narrative, yet still rich in development. The characters are carefully crafted, and it's difficult not to become attached to them.
The relationship between Hyakkimaru and Jukai (his adoptive father) is one of the emotional pillars of the work. There's a constant feeling of humanity there, even amidst the pain and violence. The encounter with Mio is one of the most striking moments, and also one of the most devastating. It's these small stories within the main journey that elevate the anime to another level, bringing an emotional weight that truly affects the viewer.
Another important highlight is the philosophical elements. The work constantly questions what it means to be human. Is it the body? The emotions? The choices? At the same time, it raises discussions about morality, sacrifice, and even selfishness; after all, to what extent can Hyakkimaru's father's decision be seen as completely wrong within that context? These ambiguities make the narrative even more interesting.
Visually, the adaptation is extremely competent. MAPPA's work, in partnership with Tezuka Productions, delivers fluid, expressive, and, in many moments, brutal animation. The action scenes are intense, but the anime also knows how to use silence and visual simplicity to convey emotion.
Even for those who don't usually like stories set in feudal Japan, Dororo manages to break that barrier. This is because the focus is not only on the historical context, but on the human journey, something universal.
In the end, it's a work about pain, identity, and redemption. A story that isn't afraid to be cruel, but also knows how to be profoundly sensitive.
If you're looking for something different, with a striking and reflective narrative, this is an easy recommendation.
Final score: 9/10.
=================================================================================================================Versão em Português=====================================
Uma recriação moderna que não só respeita a obra original, mas também consegue dar a ela um peso emocional ainda mais marcante.
Dororo é baseado no clássico de Osamu Tezuka, originalmente adaptado em 1969. Mesmo sendo uma história antiga, essa versão consegue soar extremamente atual, tanto na forma como conduz a narrativa quanto na profundidade dos temas que aborda. E, para muitos, essa adaptação acaba sendo a verdadeira porta de entrada para esse universo.
A premissa já começa pesada: Hyakkimaru nasce sem partes essenciais do corpo, sacrificadas por seu próprio pai, Daigo Kagemitsu, em troca de poder e prosperidade para sua terra. Sobrevivendo contra todas as probabilidades, Hyakkimaru parte em uma jornada para recuperar o que lhe foi tirado, enfrentando demônios que carregam fragmentos de seu corpo.
É uma história simples na estrutura, mas extremamente poderosa na execução. Cada confronto não é apenas uma batalha, é um passo na reconstrução da identidade do protagonista. E quanto mais humano ele se torna fisicamente, mais complexos ficam seus conflitos internos.
Um dos pontos mais interessantes dessa adaptação é como ela condensa a obra original sem perder o impacto. Em vez de se alongar desnecessariamente, Dororo opta por uma narrativa mais direta, mas ainda assim rica em desenvolvimento. Os personagens são trabalhados com cuidado, e é difícil não se apegar.
A relação entre Hyakkimaru e Jukai (seu pai adotivo) é um dos pilares emocionais da obra. Há um sentimento constante de humanidade ali, mesmo em meio à dor e à violência. Já o encontro com Mio é um dos momentos mais marcantes, e também um dos mais devastadores. São essas pequenas histórias dentro da jornada principal que elevam o anime a outro nível, trazendo uma carga emocional que realmente atinge o espectador.
Outro destaque importante são os elementos filosóficos. A obra questiona constantemente o que significa ser humano. É o corpo? As emoções? As escolhas? Ao mesmo tempo, levanta discussões sobre moralidade, sacrifício e até egoísmo, afinal, até que ponto a decisão do pai de Hyakkimaru pode ser vista como totalmente errada dentro daquele contexto? Essas ambiguidades tornam a narrativa ainda mais interessante.
Visualmente, a adaptação é extremamente competente. O trabalho do MAPPA, em parceria com a Tezuka Productions, entrega uma animação fluida, expressiva e, em muitos momentos, brutal. As cenas de ação são intensas, mas o anime também sabe usar o silêncio e a simplicidade visual para transmitir emoção.
Mesmo para quem não costuma gostar de histórias ambientadas no Japão feudal, Dororo consegue quebrar essa barreira. Isso porque o foco não está apenas no contexto histórico, mas na jornada humana, algo universal.
No fim das contas, é uma obra sobre dor, identidade e redenção. Uma história que não tem medo de ser cruel, mas que também sabe ser profundamente sensível.
Se você busca algo diferente, com uma narrativa marcante e reflexiva, essa é uma recomendação fácil.
Nota final: 9/10.
Reviewer’s Rating: 9
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